Diego Pasqualin

“Così tra questa
immensità s’annega il pensier mio
e il naufragar m’è dolce in questo mare.”
(Giacomo Leopardi, L’Infinito)

Risacca. Proprio così. Mi lascio trascinare dalla risacca delle onde, da quel tormento che non conosce tregua, in un continuo moto che arretra e avanza, risucchia e mi schianta, infrangendomi, contro a dell’altra acqua. A malapena riesco a prender fiato perché, in quel movimento, non vi è bussola o appiglio, perché al suo interno si cela l’eterno. Così il rumore si fa ovattante silenzio, e viceversa. Ancóra: risacca. Àncora: risacca.
La voce per l’aria s’impreme senza inondazion d’aria, e percote nelli obbietti e ritorna  indirieto alla sua causa.
Le percussione de’ corpi liquidi co’ densi son d’altra natura che le percussion predette. E le percussioni de’ liquidi co’ liquidi ancor si variano dalle percussioni antecedenti. Le percussion de’ densi co’ liquidi se n’è veduta sperienza nelli liti marini, li quali ricevano le acque contro alli lor sassi e li spingano infra le erte spiagge; e spesse volte accade che ‘l corso dell’onda non è ancora ammezzato, che le pietre da quella portate ritornano al mare onde di partirono; la riuna delle quali è aumentata colla potenzia dell’onda che ricade dalle alte spinge. 

Alla deriva. Sulla terra. Sul mio corpo. Sulle tue labbra. Nella cultura. Nei sentimenti. Nel futuro. Sono un naufrago: un sopravvissuto che l’esistenza ha restituito prima che decida di riassorbirmi, per l’ultima volta, in quell’andirivieni dal quale provengo. Tra quelle onde che sono i miei giorni, trovo le immagini create da Barbara Pietrasanta e tra quei colori stesi sapientemente, ritrovo anche qualcosa di me, qualcosa del mare e qualcosa che mi invita a proseguire.

Dove inizia la fine del mare? O addirittura: cosa diciamo quando diciamo: mare? Diciamo l’immenso mostro capace di divorarsi qualsiasi cosa, o quell’onda che ci schiuma intorno ai piedi? L’acqua che puoi tenere nel cavo della mano o l’abisso che nessuno può vedere? 
Diciamo tutto in una parola sola o in una sola parola tutto nascondiamo? Sto qui, a una passo dal mare, e neanche riesco a capire, lui, dov’è. Il mare. Il mare. 

Inizio col raccogliere un frammento di corda, anch’essa restituita dal mare. La salsedine l’ha irrigidita e sfibrata; è ruvida e la lascio scivolare sulla mia pelle perché, nel suo abradere, ho la speranza che porti via anche qualche cosa d’altro, che ho affogato dentro di me, in quegli oscuri fondali che un po’ mi accomunano a quel mare dentro. Come dopo il naufragio ci sono scelte da affrontare, decisioni, nuove ancore da costruire e indipendenze da recuperare. Sono presente e assente nel medesimo tempo, un oceano nel cuore e nei pensieri, ma i piedi sulla dura terra; così come le due ragazze del dipinto, con le quali è impossibile pensare di poter parlare. Quel frammento di gomena che una delle due stringe tra le sue mani, mi pare esattamente quello che sento aggrovigliato nel mio petto mentre, quella in piedi, mi mette di fronte all’indecisione di compiere quel passo in avanti che entrambi vorremo, ma che forse, non compieremo mai. C’è sempre quella corda che mi protegge e mi limita. Perché io non sono una venere Anadiomene e, Se ci fosse il mare non ritroverei la mia verginità, ma il mio silente lato infantile, probabilmente, userebbe quella stessa corda, che ancora tengo tra le mani, per iniziare un tiro alla fune tra Me e Me. Ci sono altri Effetti personali sulla battigia, anche il mare, a volte, sembra indeciso: spinge avanti attraverso l’onda frangente e riporta a sé, recuperando nella risacca, quello che ancora non è pronto a lasciare andare.

Comu mare ca fatica
Cu nu lassa terra soa 

Guardo verso l’orizzonte, se è vero che bisogna tornare per poter ripartire, io mi trovo a dover scegliere se salire su La nave di Delo o su un pattino di Salvataggio. Dopo L’ultimo naufragio che l’intera umanità si è trovata a vivere, ho capito che non vi è terraferma sicura perché “Come sul capo al naufrago, l’onda s’avvolve e pesa”, così mi accorgo che tutto intorno a me è alto mare. Mi perdo nelle onde che creo nella mia tazza di caffè,
la stessa bevanda tanto cara a Pietrasanta che, nei suoi “Risvegli”, aveva anticipato, invertendo l’ordine, di quella che potrebbe essere una risposta ai “Naufragi”, dove gli esasperati panneggi dei lenzuoli, ora appaiono ai miei occhi come il fragoroso incresparsi delle onde che si sarebbero stagliate contro le nuove tele di questa raffinata artista. Con ancora in bocca il sapore dell’espresso cerco di aprire bene gli occhi, come dopo un sonno che, però, non ha ristorato le mie membra, ma le ha atrofizzate nell’attesa di potersi destare e tornare ad essere. 

Guardo verso l’orizzonte; guardo verso la riva e non vi è più solo mare perché Il Mare è solo un pretesto per Pietrasanta. È il Mondo che questa pittrice vuole invitarmi ad osservare. La nave dell’io è adagiata sul fondo delle acque che hanno sommerso o, forse, reso visibili i fondali inquinati della società e, la traversata di questo momento storico, ora è carica di quella stessa speranza che potrei rinominare Lampedusa. 
Forse la risposta è proprio in quel movimento di risacca: non è un semplice guardare indietro, ma ripercorrere una strada a ritroso, per impararne i limiti e gli ostacoli, per offrire una seconda possibilità al frangente e, questa volta, non naufragare, ma approdare su una nuova Terra.

Diego Pasqualin 

Patrizia Raveggi

From Milan through New York, Barbara throws her answers (or flings her question-marks: Why? Where? Who? scattering them through the surface of “15 words and a red dot”, a very recent work) against society’s collapse and gangrene, reverting to her obsessing themes, using her own or somebody else’s body as a filter for chronicle actuality (the twins of “9/11’’; the Renaissance silhouette of “Petrol” threatened by impending pollution; “Leslie’s transvestite, lost in alienation and loneliness; the double-profiles (Benjamin’s Angel of history?) of “Untitled”; the butterfly of “Condominium” stabbed by her neighbours’ cruelty, judgment and condemnation or to portray the blossoming breathing of consumerism (the a’ la Leonardo bust in Icon I,) melting it in nature and history (“Oltre il muro”Beyond the wall). Following the thread of Barbara’s transformations, the ripening and widening of her skills (she does not hesitate to make use of the now-a-days hardly known fresco- technique in an impressive Via Crucis cycle), it is easy to detect a continuity in her feeling for the multiple and the complex, the relative and the multi-faceted determining her attitude of systematic perplexity. Since ever, Barbara’s works can be read in a narrative key, there are always human beings, or parts of them, in centre- stage, or along the borders; Barbara’s vision is not hermetic, the seeming realism of her expression is filtered through memory, nostalgia and a subtle, permeating feeling of precariousness. Her detached approach, cold and yearning at the same time, her disapproving eye, do not favour worldly relationships; the checkmate on the practical side is reversed through lyric transfiguration: Barbara dips in Indian colours the background of a (self ?) portrait conceived when- it was 2002- India was nothing more than a hypothesis of unreality. To India she devotes “Ovulation”, fantastic merge between the mother Goddess Kali (in a mitigated Western avatar) and fertility symbols, thus firmly and ahead of time marching towards the hoped for blend.If one was obliged to put a label on contemporary art, this might be defined as a progressive process of dis-identification and uprooting from one’s own traditions, a continuous eradication and tearing of one’s own roots, in the awareness that those roots ARE paradoxically in the eradication itself. The meaning of the journey is therefore towards a civilization made of intertwining, encounters, exchanges between sides, peoples, cultures, individuals, between different colours and sounds. Written stories and paintings cannot be confined inside borders, restricted by one horizon; in a diversified, heterogeneous, open world, where different routes can be mapped out, cultures and traditions are transit stations of an on-going translation and transformation process.

Francesco Poli

Barbara Pietrasanta’s figurative style is clearer and precise, but her paintings suggest a vision of reality that is loaded with fascinatingly complex existential and psychological meaning, seen from a markedly female perspective.

In her pictorial research the artist brings into play all the main themes linked to a profound sense of life, of the relationship between men and women and in particular of the perplexing question of individual identity. Two paintings clearly exemplify the way in which Pietrasanta has dealt with these questions. The first, entitled ‘Il gioco della vita’ (the game of life), looks down on a billiard table, where one hand is seen hitting a ball with a cue, another hand is throwing the dice on the table and at the bottom we see from behind the head and bare shoulders of a woman who is leaning forward and resting her head on the table. The underlying meaning of this work has no need of explanation and yet the symbolic connotations do not detract from the expressive force of the work. The other work is one of the most recent and is a group of sixteen small canvasses making up a polyptych. We see the faces of a man and a woman, with tense and worried expressions. A tin of red paint separates the two faces. Only the words in English: ‘why’, ‘who’, ‘when’, ’they’ appear, sometimes superimposed, on the other panels. Here, too, the question asked is clear, but there are no certain answers. In some other paintings, the female figure is the only protagonist.

In ‘Petrolio’ (Oil), a nude figure (reminiscent of Botticelli’s Venus but with black hair) stands in the clear water that is about to be contaminated with oil. In ‘Ovulation’, in clear homage to Indian mythology, the kneeling female nude has many arms and her many hands hold eggs, symbols of fertility and life.

Michele Bonuomo

What else is there to add to the tragic list of excesses experienced by everyone in the years just gone by? Maybe nothing else.

We have consumed all with an anthropophagous fury: with too much impetuosity and poor planning we have knocked down the “walls”.

With suspicious haste we have dismissed ideologies. With irreducible determination we have torn away every anchorage to history, and painting, having exhausted the brazen optimism of the market, is no longer the great conscience of the world. Only for a few brave people it continues to be an extreme practice. In fact, for those few who no longer want to hide behind make up, false myths, empty provocations, audacities without heroism. The exemplary gestures of those who have put their existence at risk, experiencing passions and tensions without return, have been misunderstood by most or reinterpreted as pieces of an empty and academic representation. Too many tears, blood and sperm have been purchased already freeze-dried and consumed in the fast food of everyday banality. And so the lights went out on a sad vaudeville stage… Even the thousand lights of New York are a dim light that casts sinister shadows on a tragic solitude. Barbara Pietrasanta witnessed all of this, she felt it on her skin, she captured it with her voracious eyes. But without falling into a trap, without becoming a victim. With clear determination, he brought order to his passions, dissecting the corpses of the victims of his time as if on a morgue table, the mysteries of an eros that no longer needs hedonistic disguises to explode contradictions, undermine the rules of the hypocrites and respectable. In his canvases the gestures are calcined like those of a Hellenistic frieze, the bodies are reduced to shreds by the cold light of a flash: they live in the darkness and only for a moment reveal themselves in their visionary dimension. With a clear painting, which does not indulge in hyper-realistic calligraphy, Barbara Pietrasanta implements a constant game of changes, situations and meanings, exchanges of roles between the Artist who paints and the subject represented, in which the strong point remains the painting. Everything else is questioned. Barbara Pietrasanta perhaps chose the most difficult path, perhaps the most vulnerable. But the only one along which it is impossible to cheat.

Michele Bonuomo art critic Director of “Arte”